LA ESCENOGRAFIA

La escenografía puede ser llamada puntura de escena. Consiste en un conjunto de elementos que componen un espacio teatral, los escenarios y auditorios, cuya función es ambientar la obra según el marco narrativo para su mejor desarrollo.

La historia de la escenografía

La escenografía tiene sus raíces en el teatro griego, en este se usaba el periacto. Un aparato prismático con diferentes paisajes en cada una de sus caras. A cada lado del escenario, había uno, y al girarlo cambiaba la pintura, o sea, otro lugar. Éste es el origen de los bastidores, armazones de listones sobre los cuales se aplican lienzos o papeles. Se utilizan pintándolos sobre sus dos caras. Los bastidores, fueron utilizados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma.

Una reconocida variación de escenográfica, es la decoración circular de las carretas-célebres del medioevo. Y allí mostraban al público los distintos capítulos de los juegos escénicos del momento.

El elemento clave: EL ESCENARIO

· Escena abierta: Posición de las butacas en forma circular. El escenario es el objeto central y obtiene más superficie que el lugar designado a los asientos.

· Escena circular: Es una derivación del coliseo romano, donde el escenario está centrado con los espectadores a los alrededores.

· Escena griega: La distribución poseía dos arenas de escena, una para el presentador de la obra, muy chica, y otra para los actores. También se pueden utilizar para hacer escenas simultáneas.

· Escena romana: Es una mejora de la escena griega con el escenario más alto a los asientos.

 Tipos de escenografías

Las escenografías se pueden clasificar generalmente en: realista, abstracta, sugerente y funcional.

Realista = este tipo de recreación trata de conseguir el mayor grado de verosimilitud a la obra acorde al lugar en donde suceden los acontecimientos. Se utilizan paneles ligeros, aptos para moverlos fácilmente, almacenarlos y re-usarlos. La decoración de estos paneles son casi siempre pintados.

Abstracta = Es un montaje que no se centra en ningún lugar ni tiempo específico. Frecuentemente, tiene: escaleras, cortinas, paneles, rampas, plataformas u otros elementos sin determinar.

Sugerente = Otro nombre para este tipo de escenografía es teatro no japonés. La representación se ejecuta en un escenario donde se distribuye el público. Los actores entran en escena a través de un pasillo, llamado el puente, señalado por tres pinos. Este tipo de montaje, sugiere un lugar creado por un objeto general como un auto, un barco, un edificio, etc. Su efecto escénico se logra eliminando las cosas no tan prescindibles o al combinar pedazos de un decorado realista y objetos abstractos.

Funcional = Esta responde directamente a las necesidades de los intérpretes. Es la menos usada en funciones dramáticas, es la que se utiliza en los circos. Los elementos escénicos básicos, son los fijados por los artistas.

Iluminación escénica

Cumple dos principales funciones: iluminar el escenario y a los actores y transformar el escenario en una atmósfera perfecta a la obra. El público espera tener un %100 de visibilidad de los actores y el escenario.

Hay dos grupos de iluminación, la indirecta, que es empleando luz reflejada o iluminación general, y la directa, proveniente del sol o una lámpara. La utilizada por la comedia musical es la primera, y para ello usan focos y proyectores. Con ellos, hay cuatro factores controlables: la intensidad, el color, la distribución y el movimiento.

Efectos de sonido y varios

Actualmente, el sonido es grabado en la preproducción, cosa de asegurarse que el día del estreno, no haya fallas. Aunque hasta hace poco tiempo, se hacía en directo. En la década del 30 se comenzó a utilizar la técnica del grabado.

Se considera efecto a cualquier sonido que no sea producido por un intérprete y se usan para dar realismo a la obra o para crear un ritmo determinado.

EL VESTUARIO

El teatro, ese ilusionista travieso, sediento de aplausos; necesita materializar la esencia de las escenas representadas; para ello, juega con toda una serie de elementos, entre los que destaca: el vestuario. Éste permite que las luces empiecen a brillar, pudiendo los actores comenzar su interpretación.
El vestuario, al captar nuestra mirada, actúa como el péndulo del hipnotizador. Sus colores, tejidos..., sirven de apoyo a la acción. Ayuda a definir los personajes, a través de sus ropas los actores pueden preparar su cuerpo para fundirse en el alma del ser representado.
A diferencia de otros períodos, en las representaciones actuales no se espera seguir estrictamente una época. Lo que permite jugar con los colores, las formas, tejidos...Pero, hemos de ser conscientes, de que las compañías teatrales suelen contar con determinados diseñadores, porque poseen un estilo propio: algunos son más lúdicos, haciendo del surrealismo su sello de identidad; otros más clásicos y tratan de ser fieles a los patrones de la época representada, para ello, llevan a cabo grandes labores de investigación.

Los diseñadores asisten a los ensayos, donde son testigos de la construcción y evolución del personaje que interpreta el actor. Trabajan con el director que conduce el montaje general del espectáculo, y juntos toman decisiones vinculadas al tratamiento del vestuario.

En toda función las ropas salen de los armarios para dejar de ser un objeto inanimado, y lograr cobrar vida a través de los actores. Podríamos decir que para éstos se convierten en su segunda piel. Por lo que no podemos restarle importancia y considerarlas un mero ornamento. 

Un buen espectáculo teatral es capaz de fusionarse con el público y el vestuario como un universo de estrellas embriaga al espectador con un haz de luz multicolor. Como si de un campo de espigas se tratase crea una trama de la cual no podemos escapar; porque su intensidad es tal que nos lleva a tirar del hilo haciéndonos sentir participes de ese juego de ilusiones. 

Famosas Actrices (parte 3)

Nina (La gaviota, Anton Chéjov, 1896)

La gaviota se convirtió (bajo la dirección de Stanislavsky) en el símbolo del teatro ruso moderno, y Nina, su protagonista, en el papel ansiado por todas las actrices.Ella es una joven aspirante a actriz que sueña con las altas esferas y admira a la gente importante. Su pasión e ímpetu son el símbolo de las nuevas generaciones que estaban a punto de hacer estallar la Revolución Rusa.



















Bernarda Alba (La casa de Bernarda Alba, Federico García Lorca, 1936)

Bernarda Alba considera que su verdad es la única y trata de imponer orden a sus cinco hijas, condenadas al luto tras la muerte de su padre. Por debajo de su preocupación por el qué dirán subyace un instinto de poder que pretende ser absoluto; de hecho, a Bernarda se la identifica comúnmente con los movimientos fascistas que estaban surgiendo en Europa cuando García Lorca escribió la obra.





Anna Fierling (Madre Coraje y sus hijos, Bertolt Brecht, 1939)

Durante la Guerra de los 30 años, Anna Fierling ha conseguido hacer de la guerra su manera de ganarse la vida, sorteando a católicos y protestantes, y diciéndole a cada uno lo que quiere oír para su propio beneficio. Todo ello le ha valido el sobrenombre de Madre Coraje. Se dice que Meryl Streep ha hecho la mejor interpretación hasta la fecha de este personaje, el de una mujer que antepone su supervivencia y la de sus hijos a cualquier ideología política. Pero la guerra le quita también, por un motivo u otro, a sus tres hijos, que suponen su máximo orgullo.




Blanche Dubois (Un tranvía llamado Deseo, Tennessee Williams, 1947).

La obra presenta un choque de trenes entre dos personajes que se ven llevados al límite, al cuestionarse mutuamente. Por un lado, Stanley, un hombre primitivo, dominador y violento; por el otro, Blanche, la cuñada de Stanley, y la única capaz de rebelarse ante él. Blanche Dubois, el papel que le valió un Oscar a Vivien Leigh, es una mujer soñadora, pero vencida por la vida. No ha llegado a conseguir el sueño americano que buscaba, y la frustración la ha convertido en una mujer excéntrica y neurótica, que trata de ocultar su pasado y de mantener una reputación de sofisticación que se cae a pedazos, igual que su ilusión por encontrar el amor.

Famosas Actrices (parte 2)

Laurencia (Fuente Ovejuna, Lope de Vega, 1612-1614)

Casi todos los personajes de las obras del Siglo de Oro están tipificados (el galán, la dama, etc.), pero Lope de Vega se tomó licencias en algunos casos, como el de Laurencia, que adopta el rol que típicamente se otorgaba a los hombres.El personaje de Laurencia es el de una mujer con mucho sentido común y los pies en la tierra, fuerte y autosuficiente, que responde a los ataques con ataques.

Fedra (Fedra, Racine, 1677)

Se suele juzgar a las actrices francesas según la calidad de sus Fedras, tal es la dificultad e importancia de este personaje. La historia se centra en la pasión de Fedra, mujer de Teseo, por su hijastro Hipólito. Y aunque desde el principio ella intente olvidarse de él y se debata entre el deseo y la moralidad, está destinada a la fatalidad, y arrastra a Hipólito con ella.

Doña Inés (Don Juan Tenorio, José Zorrilla, 1844)

¡No nos extraña que Doña Inés, la novicia que nunca había salido del convento, cayera también
rendida a los pies de Don Juan! Doña Inés es la heroína de la obra y representa todos los cánones (físicos y emocionales) de la época, de fuerte influencia cristiana: la inocencia, la pureza y la espiritualidad son sus características principales, y gracias a ella Don Juan Tenorio se salva de la condena en el infierno.




Nora (Casa de muñecas, Henrik Ibsen, 1879)

El portazo final de Nora es posiblemente el más famoso de la historia del teatro universal. Nora decide que aún puede salvarse de la desesperación si conserva su libertad, y se marcha, enarbolando así los principios del feminismo y de la liberación de la mujer.

Famosas Actrices (parte 1)

Medea (Medea, Eurípides, 431 a.C.)

Medea es una mujer orgullosa, perdidamente enamorada de su marido Jasón. Cuando este la traiciona para casarse con la hija del rey de Corinto, Medea regala a su prometida una corona de oro y una túnica envenenadas que acaban con su vida.Pero Eurípides no retrata sin más a una asesina enfurecida por los celos. La psicología de la protagonista cobra (por primera vez en la historia del teatro) más importancia que sus acciones en sí.








Celestina (La Celestina, Fernando de Rojas, 1499)

El personaje es lo opuesto a los personajes idealizados de la época medieval: frente a la mujer angelical y pasiva, Celestina es una sabia y avariciosa hechicera, con iniciativa y simbologías demoníacas (como la barba y la cicatriz que cubre su rostro). Capaz de manipular a cuantos la rodean, Celestina es conocida y necesitada en la ciudad, ya que representa el placer que todos desean, pero que no siempre pueden conseguir abiertamente.



Julieta (Romeo y Julieta, Shakespeare, 1595)

Julieta es una adolescente a punto de cumplir catorce años, la niña mimada de su casa, educada para convertirse en una dama de la época. Sin embargo, Romeo se cruza en su camino, y Julieta se transforma completamente cuando se enamora de él. Desafortunadamente, el idealismo juvenil choca con el mundo real, y el plan trazado acaba en tragedia: Romeo cree que su amada está realmente muerta, y se quita la vida justo antes de que despierte Julieta, que prefiere clavarse un puñal en el pecho antes que vivir sin él.


         


Lady Macbeth (Macbeth, Shakespeare, 1606)

A menudo se considera a Lady Macbeth una representación del conflicto entre los rasgos culturalmente asociados a lo femenino (el instinto maternal, la compasión y la fragilidad, características que ella trata de reprimir), y los valorados como masculinos (la ambición, la crueldad y el ansia de poder, todas ellas cualidades que se dan en el personaje).es un personaje mucho más complejo psicológicamente que la etiqueta “encarnación del mal” que a veces se le endosa, y es por eso que resulta tan atractivo para actrices de la talla de Judi Dench, Helen Mirren o, próximamente, Marion Cotillard.

                                         


 

                 

Famosos Teatros de Buenos Aires

Teatro Colón

Uno de los edificios más imponentes no sólo de Buenos Aires, sino también de Lationamérica. El Colón, recientemente refaccionado y remodelado, es también uno de los teatros más antiguos de la ciudad, porque fue inaugurado en 1908 después de casi veinte años de construcción.El edificio del Teatro Colón tiene unos 8.200 metros cuadrados, una capacidad para casi 2.500 espectadores sentados, y otros 4.000 parados, y cuenta con una sala que es una de las más grandes del mundo, con 32 metros de diámetro.




Teatro Ópera


El Ópera es también uno de los teatros más antiguos de la ciudad, dado que podemos rastrear su origen a el año 1871.Este teatro fue el primero de América Latina en contar con un generador propio de energía.
Con una capacidad para 2.500 personas (no se queda atrás comparándolo con la del Colón), con el tiempo el Ópera fue ampliando su repertorio y no solamente se limitó a los espectáculos líricos, aunque hoy en día es el hogar de muchos musicales contemporáneos que pasan por su escenario



Teatro Maipo


El Teatro Maipo está un poco más escondido, en la calle Esmeralda del Centro porteño, pero no por eso pierde su significado histórico. Se inauguró el mismo año que el Teatro Colón, en 1908. Hoy en día, el teatro cuenta con una capacidad para 700 personas, que si comparamos con los otros teatros que mencionamos anteriormente, parece ser pequeña, pero cuenta con buenos espectáculos y, por sobre todo, una historia que lo respalda.



Teatro Gran Rex


Teatro Gran Rex tuvo un comienzo más tardío, pero es uno de los más importantes de Buenos Aires. Coliseo de la música moderna. La construcción del edificio se terminó en 1937, después de nada más que 7 meses de obra. Comparados con los 20 años del Colón. Algunos artistas locales también han hecho del Gran Rex un segundo hogar: la banda teen Bandana se despachó entre 2001 y 2004 con el sorprendente número de 180 shows, Soda Stereo acumuló 35 presentaciones en un sólo año, y Charly García, genio local, hizo 10 shows seguidos en sus tablas.




Teatro Liceo

El teatro más antiguo de Buenos Aires. El Teatro Liceo fue inaugurado en 1872, cuando ni siquiera Argentina había cumplido un centenario, y durante mucho tiempo fue el hogar de variadas interpretaciones de compañías teatrales italianas.En 1986, se reconoció la importancia del Teatro Liceo en la historia de la cultura porteña: el Museo de la Ciudad lo declaró "Testimonio vivo" de Buenos Aires.En 1993, sin embargo, el empresario Carlos Rottemberg adquirió el teatro, y dos años más tarde comenzaron las obras de refacción y reacondicionamiento para devolverle su antigua gloria